Л. Пуликова - Национальная галерея искусства Вашингтон

Это произведение Ренуара невольно навевает воспоминания о весне и солнце, о запахе цветов в саду и молодости. Картина состоит из ярких мазков, которые складываются в образы дамы и молодого человека, в розы, цветущие кусты и траву. Живописец создает мистическое ощущение взаимосвязи человека и природы, будто они — одно целое. Несмотря на то что сцена как бы окутана дымкой, фигуры персонажей и их действия безошибочно угадываются. В саду происходит разговор между возлюбленными, дама чуть отстранена, в то время как молодой человек, срывая цветок, пытается настоять на своем, об этом красноречиво говорит его жест — упертая в бок рука. Ренуар любил нежные, пастельные тона — розовые, голубые, зеленые, — возможно, это влияние работы по росписи фарфора, которой он занимался в юности. В картинах художника всегда много солнца и света, они наполнены дыханием жизни, а свободный мазок усиливает впечатление особой одухотворенности изменчивого мира.

Американка по происхождению, Мэри Кассат была дочерью богатых родителей, но променяла благополучные Соединенные Штаты Америки на живопись и богемную жизнь в Париже. Под влиянием своего друга и учителя Дега она прилежно изучала и копировала произведения старых мастеров. Он пригласил Кассат участвовать в выставках импрессионистов. Любимыми персонажами ее картин были мать и дитя, играющие дети, сестры, преимущественно женские образы.

В театральной ложе сидят две молодые девушки, вероятно, это их первый выход в свет. Пока еще они чувствуют себя неуютно во взрослом мире, невольно прижимаются друг к другу, одна из них смущенно прикрывает веером лицо. Но скоро неуверенность пройдет, и девушки займут достойное место в обществе. Момент случайности и мимолетности определяет композиционную структуру и живописный строй холста. Картина написана в обычной импрессионистической манере художницы, которой присущи хрупкость и утонченность, мягкость теплых розово-бежевых сочетаний цвета. «Ложа» — характерное произведение Кассат, ее рука весьма узнаваема по интенсивности красочной палитры, широкому и беглому мазку и крупнофигурности композиции.

Поль Гоген на протяжении всей жизни неоднократно исполнял собственные портреты. На них он изображен задумчивым и замкнутым в себе человеком. Иной настрой, иронию несет автопортрет из собрания Национальной галереи. Он был написан в маленькой деревне в Ле Пудальдю, где художник остановился с друзьями. Хозяин гостиницы попросил их расписать стены и мебель. На дубовой двери шкафа мастер и написал свой наполненный известными всем символами «Автопортрет-гротеск». Он условно разделил произведение на две лишенные оттенков цветовые зоны — красную, означающую любовь и страсть, и желтую, намекающую на божественное сияние небесных сил. Нимб над головой художника означает, что он — святой, но висящие яблоки и змейка, обвившаяся вокруг пальцев Гогена, — символы его искушения. Живописец стоит на распутье: что выбрать — порок или добродетель? Но ухмылка на его лице явно говорит о предпочтении мастера, которое подтверждается его дальнейшей биографией.

Голландец по происхождению, один из самых известных художников-постимпрессионистов, Винсент Ван Гог принадлежит к французской художественной школе.

На холсте «Ферма в Провансе» автор изобразил солнечный день ранней осени. Все внимание живописца здесь направлено на передачу красочного колорита природы. Значительная часть плоскости полотна занята золотым полем спелой пшеницы, среди колосьев на втором плане бегло намечена фигура жнеца. Декоративные кустарники с красными цветами вольно расположились недалеко от вымощенной белой галькой дороги, ведущей к ферме. Открытые ворота поместья как бы продолжают картину, приглашая зрителя пройти к дому, выстроенному в типично провансальском уютном стиле, серебристо-зеленым оливковым деревьям и убранным высоким стогам. Почти вся работа написана художником с помощью вертикально нанесенных мазков кисти. В ней нет ощущения тревоги и печали, которые часто можно почувствовать в других творениях Ван Гога. Здесь только ослепительное, радостное солнце Прованса, которое освещает плодородные поля небольшой фермы.

Каждая работа постимпрессиониста Винсента Ван Гога автобиографична. Это произведение он закончил меньше чем за месяц до своего самоубийства. Душевнобольной художник только вышел из больницы и попытался снова заняться живописью, хотя жил в постоянном ожидании нового приступа. В письмах брату Ван Гог признавался, что может изображать только грусть и бесконечное одиночество.

Возможно, в этом холсте живописец решил воплотить образ своей души, выразив в облике крестьянской девушки все свои печали и переживания. Это одна из самых проникновенных и красивых по колориту картин художника. Хрупкое тело девочки, ее длинные худые руки с большими непропорциональными кистями, опущенные плечи, рассеянный взгляд больших глаз — все это передает ощущение тоски. И хотя вокруг героини распростерлась нежная зелень лета, она стоит среди колосьев пшеницы, будто покинутый всеми, одинокий дух полей. Хлеба и цветки маков написаны Ван Гогом абстрактно и в то же время узнаваемо. Известно, что мастер работал над картиной больше обычного, пытаясь изобразить различные зеленые тона злаков, качающихся под порывом ветра.

Французский художник-импрессионист Эдгар Дега смотрел на мир, как на калейдоскоп цветных пятен. Постоянно меняющиеся виды он превращал в определенную композицию и затем использовал в своих картинах. Ускользающее мгновение становилось вечным, являясь сутью импрессионизма. Главным источником вдохновения для Дега были опера и балет. Здесь он мог наблюдать плавные жесты и постоянное движение балерин на сцене и во время репетиций, те изменчивые случайные формы, из которых строил свои композиции.

Но живописец не ограничился передачей мимолетного, в картине «Четыре танцовщицы» он экспериментирует с искусственным освещением — артистки озарены лучами зеленых и красных софитов. Эти цвета смешиваются на фигурах и занавесе, рыже-красный переходит в зеленый и наоборот. Дега считал эту работу одной из самых лучших в своем творчестве и не хотел с ней расставаться.

Полотно «Четыре танцовщицы» относится к последним творениям художника маслом. В холсте отчетливо чувствуется влияние пастельной живописи, в которой Дега работал последние годы, когда зрение начало ухудшаться.

Французский художник-символист Вюйар вместе с Пьером Боннаром и Морисом Дени входил в группу «Наби», направленность которой была близка искусству модерна и символизма. Он приобрел известность как мастер неожиданных цветовых созвучий, обладающий способностью передавать атмосферу и таинственное обаяние повседневной жизни. Поначалу Вюйар писал только интерьеры, но постепенно стал вводить в них женские фигуры.

На данном холсте женщина в бело-красном полосатом платье составляет неотъемлемую часть интерьера — она и дама в красном на втором плане не нарушают молчаливого бытия вещей. Узоры на нарядах женщин, рисунок фона, орнаментальная декоративность вазы и цветов сплетаются в единое цветовое пространство. Художника не интересует передача портретного сходства моделей, они для него — лишь элемент особого, тонкого, эмоционального мира, где сходятся ритмическая выразительность силуэтов и гармония матовых, вибрирующих красок. Эта картина Вюйара — прекрасный образец искусства символизма, полного скрытого смысла и недосказанности.

Итальянец по происхождению, Модильяни большую часть жизнь прожил во Франции и считается одним из художников так называемой парижской школы. Его работы можно узнать по определенным характерным признакам: гибкие линии фигур, у моделей — узкие вытянутые шеи, склоненные головы, тщательно смоделированы носы, глаза часто написаны без обозначения зрачков.

Модильяни создавал только портреты, он сумел соединить формальную стилизацию и очевидное сходство. И даже его прекрасные обнаженные женщины — не рафинированные образы, а по сути — портретные изображения натурщиц. Теплая, мягкая световая гамма «оживляет» полотна живописца. Он одним из первых начал изображать ню более реалистично в эмоциональном плане. Именно это в свое время привело к мгновенному закрытию его первой персональной выставки в Париже.