навстречу тому, что вы видите, что вы можете взять от того, что находится перед вами. Подобный диалог зрителя и художественного произведения, интенсивный и мощный, собственно говоря, и есть задача такого рода выставок.
Сандро Боттичелли – итальянский художник XV века. Он работал во Флоренции, при дворе Лоренцо Медичи. Это был выдающийся человек. Лоренцо называли великолепным – Лоренцо Великолепный. И это не случайно, потому что Лоренцо Медичи был известен и как поэт, и как человек, обладающий очень многими знаниями. Но, может быть, еще важнее было то, что он собрал вокруг себя удивительных людей того времени. Это были писатели, поэты, философы, художники, архитекторы. Достаточно сказать, что в то же время, когда начинал молодой Боттичелли, при Медичи во Флоренции работали Микеланджело и Леонардо да Винчи.
Работа, которую нам прислал знаменитый музей Уффици, называется «Паллада и Кентавр». Сюжет ее взят из античной мифологии. Паллада – это Афина Паллада, в Риме ее называли Минерва, она знаменита своей мудростью, справедливостью, чистотой, особым таким целомудрием. Вместе с тем Афина – она и воительница. За спиной этой замечательной прекрасной молодой женщины можно увидеть алебарду. Это не совсем атрибут Афины – у нее должно быть копье, меч. Именно поэтому есть некоторые сомнения в том, Афина ли эта прекрасная женская фигура или какой-то другой образ. Но это не так уж существенно.
Рядом с главной героиней находится фигура такого мифологического существа, как кентавр. Наполовину это человек, а наполовину – лошадь. Афина держит его за волосы, лицо ее полно строгости. Кентавр же выглядит жалким, он принижен, он явно чувствует, что будет подвергнут наказанию. Кстати говоря, среди мифологических существ в античности кентавр слыл пьяницей, безобразником. Недаром он сопровождал Вакха, или Бахуса. Это греческое и римское названия бога вина.
В данном случае, вне зависимости от того, Афиной ли является фигура женского персонажа или кем-то другим, явно наказание непутевого лесного чудища за его дурные поступки. Здесь мы встречаемся с морализированием. Это нотация, свидетелями которой мы являемся.
Каково содержание, какой подтекст? Как правило, такие изображения в эпоху Возрождения читались как аллегории, то есть иносказания определенного содержания. На этот счет есть разные теории. Некоторые видят здесь политическую линию. К 1485 году Лоренцо Медичи одержал убедительную победу над своими врагами на юге Италии. Может быть, это аллегория победы дома Медичи над его врагами.
Может быть, здесь следует искать какое-то более бытовое объяснение. Считается, что эта картина «Паллада и Кентавр» была подарена Лоренцо Медичи его двоюродному брату в связи с его бракосочетанием. Тогда это довольно двусмысленный подарок. Значит, будущая его жена должна в строгости держать своего супруга.
Ну и, наконец, такое философское объяснение, которое очень в духе того гуманистического кружка, который царил тогда вокруг Лоренцо Медичи. Оно может означать определенные жесты: победу рацио, разума над инстинктом, над неконтролируемой распущенностью человека.
Так или иначе, перед нами предстало одно из прекрасных полотен второй половины XV века, так называемого раннего Возрождения, кватроченто. Кватроченто знаменует XV век – так оно вошло в историю искусства. Прекрасная фигура юной, строгой и, видимо, отважной девы в платье, затканном цветами, на фоне какого-то бескрайнего пейзажа. Фигура кентавра рисуется на фоне скалы, к которой он так боязливо прислонился.
Мы видим, что и искусство Возрождения, пришедшего на смену Средним векам, и Боттичелли владеет всем спектром тех открытий, которые были сделаны именно в это время, в эпоху раннего Возрождения. Почему она называлась эпоха Возрождения? Люди, которые обозначали своим творчеством этот этап, считали, что они возрождают искусство античности. Поэтому на смену плоскостному изображению пришло объемное изображение фигур. И мы видим, что Боттичелли полностью владеет всем арсеналом изображения объема на плоскости. Была открыта перспектива, то есть умение на плоскости создать иллюзию пространства. И мы видим этот пейзаж, на фоне которого изображается сцена и приближенные к переднему плану фигуры. Здесь художник, и это совершенно очевидно, целиком и полностью владеет пространством. Овладев всеми элементами реалистического изображения на плоскости картины окружающего мира и человека, Боттичелли открывает нам и другие возможности живописного искусства: он передает эмоцию, духовное содержание того сюжета, за изображение которого берется.
Диор: под знаком искусства
Нашим посетителям известно, что одним из важных для музеев видов деятельности является организация выставок. Один из главных крупных проектов, с которыми мы познакомили наших гостей – выставка «Диор: под знаком искусства».
Диор – крупнейшая модная фирма, известная во всем мире. Ее отделения есть и в России. Но демонстрация деятельности художников и дизайнеров, создающих моду, – это сравнительно недавний вектор движения крупных музеев мира, которые показывают не только исторические костюмы. Такие выставки устраивал и ГМИИ им. А.С. Пушкина, у нас была знаменитая выставка русского исторического костюма из Эрмитажа. Сейчас же мы обратились к творчеству дизайнеров XX и XXI веков. Наша выставка состоялась в конце прошлого, XX века, в Метрополитен-музее – крупнейшем музее мира. Также уместно вспомнить выставку «Шанель. По законам искусства» – экспозицию костюма Шанель, которую мы делали в нашем музее. Одним словом, на таких законных основаниях своей причастности к искусству в музеи вошли дизайнеры моды. Безусловно, это объяснимо, потому что мода в исполнении крупнейших художников-дизайнеров – это, конечно, явление художественной культуры. И постепенно, как это случается с любым современным искусством, лучшие его образцы находят свое место в музеях.
Когда Диор обратился к нам с предложением сделать его выставку, мы дали согласие при условии, что выставка по концепции будет непременно включать произведения искусства. То есть те источники вдохновения, которыми подпитывается и каждый дизайнер моды, создавая новые коллекции. Диор вообще известен своим интересом к искусству. На заре деятельности он открыл галерею. И во многих его платьях мы видим следы изучения им творчества крупных мастеров.
Таким образом, наряду с платьями, то есть тем, что делает Диор, что является его профессией, посетители на выставке видели картины Гойи, Ренуара, Уистлера, Пикассо, Матисса. Почему именно Матисса? Диор обращается к некоторым идеям Матисса, к его картинам, созданным на восточные мотивы.
На выставке были представлены произведения не только европейских, но и русских художников, восточных художников, даже древнего египетского искусства.
Когда мы задумывали выставку, нам казалось, что то, что Диор делает с искусством, со старыми мастерами, органично дополняет его идеи. Именно так складывается образ женщины, которую каждый крупный дизайнер создает по-своему. Есть женщина Шанель, есть женщина Диора, есть женщина Славы Зайцева, есть женщина Юдашкина… И каждый раз это какие-то особые источники вдохновения. На выставке Диора из
