М. Силина - Музей изобразительных искусств Хьюстона

Эта работа редкая как для коллекции хьюстонского музея, так и для творчества Франсиско Гойи в целом. Дело в том, что знаменитый испанский художник за свою жизнь создал значительное количество произведений, однако специалисты знают совсем немного натюрмортов его авторства. Все они очень выразительны. На данном мастер изобразил простых рыбешек — золотистых лещей. Но в соответствии с давними традициями жанра, которые были блестяще развиты голландцами, полотно метафорично. Именно романтики, а Гойя принадлежит к числу наиболее ярких из них, возродили и продолжили эстетику аллегорической картины. Живописец любуется хрупкой, нежной чешуей и кожей лещей и, одновременно, запечатлевает медленное умирание, угасание пойманных рыб. Свет и колорит также соответствуют трагической символике жизни. После 1790-х Гойя отдает предпочтение мощным световым контрастам темной гаммы коричневого, черного, беспокойных оттенков желтого и красного. Безусловно, аллегорическое значение имеет и тот факт, что лещи написаны под лунным светом, в ночи, эстетика которой много значила для романтиков, искавших в образе темноты выражение одиночества, неприкаянности, постоянно подстерегающих опасностей. Как ни удивительны эти метафоры могут быть для сегодняшнего зрителя, но в начале первых десятилетий XIX века именно синтез возвышенной трактовки и мироощущения с тленной физической оболочкой будоражил воображение художников и любителей искусства. Пожалуй, наиболее грозным и величественным символом тщеты всего живого служит другое известное полотно Гойи, изображающее разделанную тушу («Натюрморт с головой барана», 1808–1812, Лувр, Париж).

Эта прекрасная работа Жана Батиста Камиля Коро, выставленная в музее, дает возможность по достоинству оценить великолепную колористическую манеру французского мастера. Он стал одним из самых значительных художников XIX века, прямо повлиял на классиков французского импрессионизма. Действительно, зритель видит, как тонко, деликатно живописец варьирует оттенки, как мягко накладывает краски, которые создают светоносную, искрящуюся перламутровым и голубым, сложную по фактуре поверхность холста. Коро — один из главных представителей французской барбизонской школы середины XIX века. Она отличалась ярко выраженным стремлением к реализму в рамках романического направления и названа так по местечку Барбизон, где работали мастера. Они опирались на приемы голландской живописи и отечественную традицию. Виртуозную технику барбизонцы соединяли с лиричным настроением, повышенным вниманием к передаче атмосферы. Авторскую манеру Коро характеризуют мягкие тона и сглаженные формы, свободная работа кистью. Он известен, прежде всего, своими пейзажами.

Здесь, несмотря на античный сюжет, все обаяние картины выражено в природе. Поражает колорит холста: жемчужные, перламутровые оттенки, их тончайшая моделировка. По сравнению с реалистической трактовкой света первого периода творчества после 1850-х художник предпочитает почти сказочные вечерние сумерки. Воздух и вода отражают мягкое сияние в нежной гамме, переходящей от серо-серебряного до темно-зеленого.

В коллекции музея хранится большое пейзажное полотно одного из самых влиятельных и знаменитых художников французского реализма — Густава Курбе. Эта работа была заказана мастеру герцогом де Божано для своей великолепной парижской резиденции. Скорее всего, знатный клиент попросил живописца исполнить сцену бури в романтических традициях, что и было сделано Курбе с неподражаемым эмоциональным порывом. Холст будто выплескивает на зрителя поток природной силы. Художник вложил в эту картину все свое мастерство и страсть. Тучи на небе написаны со скульптурной убедительностью: они тяжело нависли над местностью недалеко от Фонтебло. Кажется, что это не просто ненастье и сильный ветер, порыв приобрел грозные, вселенские масштабы. Но оторвавшись от первого грозного впечатления надвигающейся катастрофы, зритель сможет увидеть просвет вдали. Там, на третьем плане, уже вышло солнце и небо расчистилось. Курбе, что для него характерно, использует дополнительные средства, чтобы придать полотну особую фактурность: для усиления впечатления процарапывает штрихи острым ножом и варьирует толщину мазков, работая энергично и точно. Картина приобретает трехмерность не только благодаря перспективной композиции, но и за счет объемности красочного слоя. Неудивительно, что первые импрессионисты будут считать своим учителем именно этого французского мастера-виртуоза.

Французский живописец XIX века Вильям Бугро — яркий представитель так называемого салонного академизма. Его мастера работали в строгом, идеализирующем стиле, успешно синтезируя последний с жанровыми сценами.

Представленная работа — прекрасная иллюстрация данного направления. В центре изображена девочка, которая держит на руках младшего брата. Бугро написал своих детей — дочь Генриетту и сына Поля. Героиня весело, с интересом смотрит на зрителя, ее поза достаточно непринужденна. Все это — черты жанровости. Академические признаки заключаются в симметричной композиции, неоклассической цветовой гамме, монументализации портрета благодаря пониженной линии горизонта, общей идеализированности модели и пейзажа. Мастер был очень популярен среди консервативной публики и коллекционеров Европы и Америки, разделявших идеи пуританской культуры.

Галерею шедевров французской живописи продолжает работа Пьера Огюста Ренуара. Этот знаменитый художник является одним из самых сложных по творческой манере мастеров Европы рубежа XIX–XX веков. В данном натюрморте видны основные таланты Ренуара-живописца. В своих лучших полотнах он органично объединял импрессионистическую технику наложения красок с неоклассической идеализирующей вневременной атмосферой и сложной ассоциативной канвой. Художник обыгрывает классический голландский натюрморт, на холсте — богатые и красивые предметы. Он создал работу в излюбленном «японском стиле», щедро использовав яркий желтый и поместив как знак эстетических пристрастий японский веер. Однако к этому синтезу стилей и эпох творец добавил и гравюру, написанную «по мотивам» произведения своего кумира — испанского мастера-реалиста XVII столетия Диего Веласкеса. Полотно типично для Ренуара — одновременно простое по сюжету и сложное по смыслу.

Знаменитый художник-неоимпрессионист Винсент Ван Гог и его творчество не нуждаются в представлении. Манера мастера, экспрессия простых форм узнаваемы. С середины 1880-х он стремился попасть во Францию, в Париж — мировую столицу живописи, и лишь в 1888 смог осуществить свою мечту. Именно здесь начался новый, яркий период деятельности, ознаменованный встречами с французскими художниками, интенсивными поисками образов и своего стиля.

Представленное полотно отражает главное качество Ван Гога-живописца — его страстность и эмоциональную драматичность мазка. Каждая картина создавалась им как откровение, свежее впечатление. Художник рисовал пастозно, очень густо, скульптурно наносил краску на холст. Не только пейзаж и состояние природы интересуют его, он стремится выразить силу своего чувства и мыслей. Этой неиссякаемой и трагической энергией творчества отмечены все работы мастера. Данное произведение Ван Гог создавал в очень живописном, но суровом по климату месте — в Монмажуре, недалеко от Арля на юге Франции. Местность славится своими скалами и постоянно властвующим резким ветром. Художнику приходилось рисовать наперекор непогоде, буквально силой удерживать холст от свирепых порывов. Так, мастер символически вступил в схватку со стихией. Для религиозного и нервного человека, каким и являлся Ван Гог, эта символика сопротивления обстоятельствам, препятствиям на пути к намеченной цели многое значила. В данном, как и во многих других его полотнах, важны не сложность композиции или сюжета, а красота и, одновременно, трагическая покинутость мест, традиционно привлекавшие художника.

Работы Поля Сезанна имели колоссальное влияние на художников конца XIX — начала XX века. Он внедрением своеобразного авторского неоклассицизма, предпочтением геометрии, интересом к абстрактной форме создал реальную творческую альтернативу импрессионистам.