Е. Иванова - Музей Вальрафа-Рихарца Кельн

Имя французского мастера Гюстава Курбе знаменует собой начало нового направления в искусстве, которое он сам и его друзья — литераторы Шанфлери и Кастаньяри и философ Прудон — назвали реализмом. В декларации 1861 сказано, что «искусство живописи не может быть не чем иным, как изображением предметов, видимых и осязаемых художником» и что «художнику поэтому не следует писать то, чего он не видел, то есть не брать исторических и мифологических сюжетов и не давать большой воли воображению». Картины Курбе подвергались критике современников за кажущуюся вульгарность и недостаточно возвышенное содержание. Однако сам мастер, весельчак и балагур, был в восторге от всего, что делал.

На полотне изображена молодая дама, сидящая за столиком на террасе. Ее взгляд обращен вдаль, будто она ожидает кого-то. Закатный пейзаж на заднем плане с красными и оранжевыми всполохами относит зрителя к традициям романтического восприятия природы. Интересно, что при исследовании работы в инфракрасных лучах были выявлены композиционные изменения. По первоначальному замыслу художника дама была не одна, под слоем краски обнаружили силуэт мужской фигуры. По какой причине он был закрашен, пока остается загадкой.

Курбе стал новатором не только в выборе сюжетов, отступив от академизма, но и технике. Его живопись плотная, пастозная, энергичная. Работы Курбе отличает невероятный темперамент, однако ему редко удавалось одухотворить человеческий облик. Неспособность отойти от натурного этюда и буквальное подражание природе свидетельствуют о справедливости дальнейшей критики натурализма как художественного направления.

Бертольда Йонкинда справедливо причисляют к предтечам импрессионизма. Он родился в Нидерландах, учился живописи у Андреаса Схелфхаута — выдающегося пейзажиста своего времени. В 1845, получив стипендию, Йонкинд отправился в Париж, где ему будет суждено прожить всю жизнь. Там окончательно сложится его художественный язык. Живописец поселился на Монпарнасе, вскоре у него установились дружеские отношения с мастерами барбизонской школы, которых также занимала проблема передачи вибрации света и цвета.

Уже в ранних работах Йонкинда прослеживаются импрессионистические черты: все больший интерес к пленэру, самоценности натурного рисунка, независимость от академических традиций с их красивостью, впрочем, как и от избыточной социальной направленности и публицистики.

Непосредственное изучение изменчивости состояний природы и эффектов света захватило внимание художника. В 1860-е, к которым относится данный пейзаж, живопись мастера становится уже совершенно импрессионистической. Высветление цветовой гаммы, использование дополнительных цветов — все это свидетельство значимых перемен. Однако известно, что в отличие от импрессионистов Йонкинд при работе на пленэре использовал акварель, а не масляные краски. Ими художник писал уже в ателье, соединяя натурные впечатления в одну картину. Несмотря на значительное влияние французской школы, мастер сохранил в своих композициях и нидерландскую пейзажную традицию — низкий горизонт, доминанту неба.

Живопись Йонкинда не пользовалась популярностью, однажды он выставлялся в «Салоне отверженных», а когда в 1874 Клод Моне пригласил наставника принять участие в выставке импрессионистов, тот отказался.

Творчество Ансельма фон Фейербаха, племянника знаменитого немецкого философа Людвига Фейербаха, во многом опирается на идеи поздних романтиков и «назарейцев». Он учился в дюссельдорфской и мюнхенской Академиях художеств, несколько лет провел в Париже, где познакомился с творчеством О. Энгра и увлекся живописью Г. Курбе. Получив стипендию от герцога Фридриха Баденского, в 1855 Фейербах поехал в Италию. До конца жизни он останется там, лишь изредка приезжая в Германию. После долгих скитаний в Венеции и Флоренции художник наконец обрел дом в Риме. Величественные античные руины Вечного города, произведения искусства Возрождения оказали на него неизгладимое впечатление. Новым кумиром Фейербаха стал Рафаэль.

Большую роль в жизни живописца сыграла Нанна Ризи, чья удивительная красота запечатлена на представленном портрете. Драматичный поворот головы, статуарность позы, лицо, оказавшееся в тени, создают собирательный образ гордой римлянки, героини античной истории. В своих картинах Фейербах не раз изображал Ризи в образах великих и прекрасных древнегреческих богинь.

Огюст Ренуар был сыном портного, в юности занимался росписью по фарфору, посещал мастерскую художника-академиста Глейра, где познакомился с Клодом Моне и Альфредом Сислеем. Тогда же было положено начало кружку «непримиримых», желавших работать на пленэре и изучать тайны света.

Ренуар как никто другой умел эстетизировать банальности и приходить от них в восторг. Его любимыми сюжетами были маленькие кафе, яхт-клубы, купальни. Живопись мастера всегда находится на тонкой грани красивости, прелестности и большого искусства.

Казалось бы, представлена банальная сцена — молодой респектабельный господин в сюртуке, с цветком в петлице склоняется к своей спутнице, кокетливо глядящей на зрителя. Здесь Ренуар и предстает большим художником, используя прием типичного импрессионистического «стоп-кадра». Обрезанное платье дамы вносит в этот приторный сюжет элемент случайности.

Живописец показал мгновенное движение, раскрывающее отношения между людьми, становится ясно, что перед зрителем влюбленная пара. Тонкая передача фактуры шелкового платья, его переливающиеся на солнце красные и желтые полосы, зеленая дымчатость окружающего героев сада — все говорит о величайшем мастерстве художника.

Долгое время считалось, что на картине изображен живописец Альфред Сислей с женой, но, к сожалению, исчерпывающих доказательств этого предположения найти не удалось.

На портрете изображен сын художника Жан в возрасте шести лет, в дальнейшем ставший знаменитым режиссером и сценаристом. Это произведение относится к зрелому периоду творчества Ренуара. С одной стороны, последние десятилетия жизни мастера наполнены признанием и триумфом его искусства — в 1891 у Дюрана-Рюэля открылась крупная выставка Ренуара, прошедшая с большим успехом, одна из картин была куплена для Люксембургского дворца, с другой — омрачены трагедией серьезного недуга — ревматоидного артрита, страшной болезни для художника.

Начиная с 1898 семья Ренуара регулярно проводила лето в Эссуа — родном городе жены живописца. Так как в это время года он был в кругу родных, моделями являлись домашние и прислуга. Портрет сына исполнен любви и нежности, он излучает ощущение уюта замкнутого семейного круга. На рубеже веков в колорите художника наблюдаются изменения, его живописная манера становится более декоративной, появляется переливчатость цвета. Этот период зачастую называют «перламутровым». Хотя Ренуар был болен и стар, в картинах последних десятилетий нет и тени отчаяния или усталости. Искусство мастера по-прежнему наполнено жизнеутверждающей силой и радостью бытия.

Эжен Буден наряду с Бертольдом Йонкиндом считается предшественником импрессионистов, проложившим путь от барбизонцев к новой живописи впечатлений. Он не получил художественного образования, но одаренность и его импрессионистический подход к миру угадал еще Ш. Бодлер в 1859, писавший: «Его этюды так быстро и так точно набросаны с того, что более всего непостоянно и неуловимо по форме и цвету, с волн, облаков, всегда имеют на полях дату, время, направление ветра; например: 8 октября, полдень, норд-вест. Если же надпись закрыть рукой, то вы все равно угадаете время года, час и ветер. Я ничего не преувеличиваю, я видел это. В конце концов, все эти светозарные фантастической формы облака, вся эта смутная тьма, эти зеленые и розовые громады, цепляющиеся друг за друга, это отверстое пламя, этот небосвод из черного и фиолетового атласа… все эти глубины, этот блеск — это пьянит разум, как хмельной напиток или как красноречие опиума».

В своих ранних работах Буден любил изображать сцены фешенебельной курортной жизни, в зрелый период, к которому относится представленный пейзаж, мастера больше увлекают тихие гавани, передача изменчивого состояния природы. Широкими импульсивными мазками написано полуденное небо со сгущающимися облаками, воздух пронизан влагой и мерцающим светом. Понятно, почему Клод Моне говорил, что Эжену Будену он обязан тем, что стал художником.