выходит из ранга центральной темы искусства.
В Пушкинском музее есть работа относительно недавно открытого итальянского художника XVIII века Карло Маджини «Натюрморт с хлебом и ветчиной». На картине изображены предельно простые предметы: медный чайник, бутыли, медная лампа, фаянсовый чайник, стаканы, записка и ключ. Я бы сказала, что здесь определены социальные вкусы возникающего в то время третьего сословия, которым особенно ценились поэзия нехитрого домашнего очага и какая-то интимность взаимоотношения человека с окружающими предметами, даже очень простыми. Это демократический тип натюрморта, и в нем видна явная симпатия художника к его новому заказчику.
Подобный образ мы находим и у чрезвычайно знаменитого художника, одного из главных натюрмортистов в истории искусства Франции, Жана Батиста Шардена. В собрании Пушкинского музея нет его знаменитых кухонных натюрмортов, но есть «Натюрморт с атрибутами искусств», созданный в 1720 году в жанре, в котором он тоже много работал. На этом натюрморте, очень строгом и лаконичном, предметы, скорее всего, из окружения самого художника. Наверное, это уголок его мастерской: на столе стоит гипсовая голова Меркурия, лежат книги, свитки с рисунками. Это так называемый интеллектуальный натюрморт, и он призван передать ту одухотворенную атмосферу, в которой живет мастер. Достаточно простые предметы под кистью Шардена обретают значительность и торжественность.
XIX век
Конечно, и в XIX веке многие художники работали в жанре натюрморта, но какие-то новаторские идеи появляются только в конце века в творчестве постимпрессионистов, а именно – у Поля Сезанна и Поля Гогена.
Картина «Персики и груши» Сезанна из собрания Пушкинского музея была написана в начале 1880-х годов. Очевидно, что художник не ставил цели имитации натуры, здесь нет принципа сохранения высокой художественности, принципа подобия и полного соответствия природе, который был так распространен в XVIII веке и так высоко ценился в XVII столетии. У Сезанна другой подход: он постимпрессионист, он не принимает систему впечатлений от предмета, он отталкивается от натуры и добивается растворения предметов и природы в видении художника. Он обращается к материальному миру, к предмету, но не к тому, какой он есть, а к тому впечатлению, которое он создает о себе, он говорит о предметном мире как о мире каких-то полновесных материальных субстанций, которые надо показать в определенном качестве. Поэтому его «персики и груши» не всегда уж так похожи на персики и груши: груши еще благодаря своей форме хорошо узнаваемы, но персики можно спутать и с яблоками. Сезанн не ставит перед собой задачи передать предмет буквально, но старается все объекты утвердить с полным уважением к предмету. Искусство Сезанна в жанре натюрморта полно сложных и глубоких философских раздумий. Недаром он даже своим моделям говорил: «сиди как яблоко». То есть он хотел весь вещный мир, сохраняя его ценность, свести, по его словам, к простым геометрическим формам.
Иначе работал в жанре натюрморта современник Сезанна художник Поль Гоген. В Пушкинском музее хранится много картин Гогена, в том числе несколько его натюрмортов.
Поль Сезанн. «Натюрморт с сахарницей», 1890 (холст, масло)
Подобно Сезанну и Ван Гогу, Гоген первые импульсы своего искусства получил от импрессионистов, и мы это отмечаем в его прекрасной картине «Цветы Франции» 1891 года. Мы видим в ней все приметы импрессионистической живописи: свободное ведение кисти, трепетную, свежую манеру письма. Сам тип такого рода натюрморта Гоген увидел у своих современников: у Эдуара Мане в картине «В ателье», где натюрмортная композиция также связана с фигурами, и у Эдгара Дега в работе «Натюрморт с хризантемами», в котором тоже представлена человеческая фигура. У Гогена люди расположены в левой части полотна. Само построение картины с использованием линейной перспективы, в которой расположен стол, говорит об опоре художника на классическую живопись. Однако нельзя не заметить и совсем необычные элементы – прежде всего это цвет. Конечно же, цвет – главная составная часть всей системы импрессионизма, художники стали писать на открытом воздухе и необыкновенно обогатили цветовую палитру, вводя разнообразные оттенки. Гоген в этой же манере пишет прелестные розовые цветы, но вместе с тем цвета у Гогена как бы абстрактны и независимы от поверхности картины. Если Ван Гог, используя цвет, подошел прежде всего к его эмоциональной, экспрессионистической выразительности, если Сезанн был цветовым конструктором, он писал предметы через лепку цветом, то Гоген соединяет цвет с плоскостью и выводит цвет на плоскость. Таким образом он хочет трепетный взгляд на мир, характерный для импрессионистов, живущих впечатлениями от проходящей мимо них жизни, обменять на что-то вечное, устойчивое, на какие-то вечные ценности.
Поль Гоген. «Натюрморт с попугаями», 1902 (холст, масло)
Другая картина называется «Натюрморт с попугаями». Интересно, что эта работа имеет и второе название – «Мертвые птицы». При созерцании полотна возникает двойственное впечатление: необыкновенно яркая, насыщенная живопись, попугаи изображены во всей красочности их оперения, но они мертвы, рядом лежит походная фляжка из тыквы, со стола соскальзывают цветы, а за ними высится идол; это скульптура работы самого Гогена, таитянская богиня луны Хина. Ученые склонны интерпретировать эти собранные вместе предметы как тему ухода, тему смерти. И видимо, так оно и есть, несмотря на внешне жизнерадостное колористическое решение. Очевидно, все-таки Гоген вложил в этот натюрморт символический смысл, как и во многие другие свои произведения. Мы знаем, что натюрморт был написан за несколько месяцев до смерти художника в деревне Атуона на острове Хива-Она. Может быть, эта картина и была его прощанием с жизнью.
XX век
Рубеж XIX и XX веков был временем поисков новых путей в искусстве. Многие художники полностью отказались от имитационных функций искусства, то есть воспроизведения самой натуры, у ряда художников произошел отказ от предмета, от его традиционного изображения. Нередко и сейчас зрителю приходится делать дополнительные усилия, чтобы угадать в натюрморте вещь, которая изображена. Она как будто бы есть, но она ускользает от нашего восприятия, и мы с трудом ее идентифицируем. Разумеется, за этим лежит отказ от гармонического понимания мира, и это связано с общим состоянием искусства и жизни рубежа веков.
В «Натюрморте» 1903 года бельгийский художник Тео ван Рейссельберге использует неоимпрессионистическую технику пуантилизма, то есть он пишет свои предметы отдельными маленькими цветовыми мазками. Это маленькая картина с изображением двух бутылей и стакана, предметы будто бы растворены в свете, у них практически нет объема, и зрителю самому из мелких мазков предстоит попытаться восстановить их форму.
Крупнейшим мастером натюрморта XX века стал французский художник Анри Матисс. Он создал совершенно новый, неизвестный ранее изобразительному искусству тип натюрморта.
Матисс – один из тех художников, которые совершили великий перелом от традиционного искусства XIX века к искусству Нового времени. Художники искали новые формы в искусстве, новую выразительность,
